11月4日融丰配资，我国舞台艺术领域的政府最高奖项——第十八届文华奖颁奖活动在重庆揭晓。广东在本届文华奖评选中一举摘得3个奖项，获奖总数居全国第二。其中，广州歌舞剧院倾力创演的舞剧《醒·狮》从全国参评的428部作品中脱颖而出，一举摘得文华剧目奖；广东粤剧院创演的粤剧《红头巾》导演张曼君获得本届“文华导演奖”；珠海演艺集团创演的歌剧《侨批》编剧王勇获得本届“文华编剧奖”。
沉甸甸的奖项，凝聚着广东舞台文艺工作者的才思与心血，更再次彰显了广东人“敢为天下先”的气魄与精神：《醒·狮》是国内第一部以国家级非遗项目“广东醒狮”为主题的大型原创舞剧；粤剧《红头巾》首次将上世纪初广东女性结伴下南洋当“红头巾”、从事艰苦劳作谋生养家的特有历史现象搬上戏剧舞台，具有浓郁的地域特征与岭南文化特色；《侨批》是珠海首部原创歌剧，也是珠海首部登上国家大剧院、首次获得文华奖肯定的大型原创作品……围绕上述剧目的众多创新实践，本期文艺评论组织专家评论文章，探讨其对于讲好广东故事、弘扬优秀岭南文化的重要意义。
百年睡狮醒，狮舞震精神
——大型民族舞剧《醒·狮》观后
文丨谭钦允
“一声炮响，义律埋城，三元里顶住，四方炮台打烂，伍紫垣顶上，六百万讲和，七星旗扬扬，八面埋伏，九九打下，十足胜利!”当“三元里平英团”民谣《胜利歌》在狮鼓中唱响，群狮起舞，气吞山河，南粤儿女的英雄气概和民族情怀借助威猛灵动的广东醒狮穿越时空，直抵人心。
舞剧《醒·狮》剧照。资料图片
充分挖掘广东醒狮的丰富内涵
广州歌舞剧院创排的大型民族舞剧《醒·狮》，以第一次鸦片战争爆发、广州三元里抗英斗争为故事背景，讲述两位舞狮少年阿醒和龙少面对爱恨情仇、家国大义时的自我觉醒，反映南粤儿女不屈不挠的抗争精神。
《醒·狮》是国内第一部以国家级非遗项目“广东醒狮”为主题的大型原创舞剧。广东醒狮本身是融武术、舞蹈、音乐等为一体的传统民俗文化，在广东人生活中不仅是一种吉祥、喜庆的文化符号，而且以其观赏性、艺术性、竞技性深受民众的喜爱，是南粤人民尚武精神的重要体现。
《醒·狮》的思路不是醒狮舞蹈的简单“植入”，更不是醒狮元素的零星“拼贴”，而是创造性转化、系统性呈现——将民族舞蹈与广东狮舞相融合，将南拳马步和广东醒狮特有的腾、挪、闪、扑、回旋、飞跃等技巧融入舞蹈语言，大开大合，刚柔相济。同时，故事的叙述也融入了广东狮舞的套路和编排特点，分为起势、探青、醉狮、入阵和发威几个部分，有助于感情的层层递进和抒发：序幕拉开，舞狮者在悠扬的乐声中举起狮头舞动，展现传统醒狮的睡狮姿态，继而步入三元古庙，将狮头视若珍宝，用红布包起，小心珍藏，娓娓道来曾经的动荡；接着，主角悉数登场，展现三元里村中繁华的古街和民俗风情，主角阿醒在繁华的街道上表演醒狮高台青助兴，主角间的矛盾和冲突也渐次展开。
剧中，醒狮是主线，也是岭南风情的承载者：舞狮者月下习武，狮王争霸赛中的抢青习俗；还有女主角血染战场时，群狮缓缓出场展现的“哀狮”姿态。舞剧尊重了广东醒狮的传统习俗，用艺术化的语言呈现广东醒狮丰富的文化内涵。
《醒·狮》的主创还用心解构了狮头的结构，别开生面地将醒狮元素融入布景中：阿醒家中摆放得错落有致的狮头，融入狮头形象设计的房顶屋檐，以及舞剧最后组合在一起的完整的狮头形象，都让人眼前一亮，回味无穷。
拿破仑曾将中国比喻为一头沉睡的狮子，当这头睡狮醒来时，世界会为之发抖，这一论述为广东醒狮提供了更为宏大的阐述空间。一个“醒”字，既展现了广东醒狮威猛刚劲、活灵活现、鼓乐激昂、令人警醒的特点，也体现了广东人民睁眼看世界、勇于创新的革命精神。舞剧中，狮王争霸当天，炮火袭来，凤儿血染废墟，面对国恨家仇，男主角阿醒和龙少握手言和，合作舞动一头醒狮，带领村民共同抗击侵略，这也是对醒狮团结合作精神的最好阐释。
舞剧《醒·狮》剧照。资料图片
用岭南故事讲述中国精神融丰配资
舞剧《醒·狮》是一部厚重的岭南风情录，集广东民间舞蹈、民俗风情、醒狮、南拳、木鱼歌等非遗于一身，并将大量的岭南元素融入舞台，让剧中舞蹈、音乐、服装、道具等都充满岭南风情和广府特色：高胡与琵琶奏出的乐音，琳琅满目的广告招牌，画工精细的祠堂门神，还有茶楼、粤曲、鸡公榄、大头佛、满洲窗、木人桩、葵扇等，组成充满生活情趣的岭南风情画，用厚重的笔墨描绘了岭南大地的美好家园，更能凸显南粤儿女抗争精神背后的家国情怀。
2016年，广州歌舞剧院即已完成小舞剧《醒》的创作，虽然囊括了当年广东省岭南舞蹈大赛的各大奖项，但“战胜年兽”的故事依然让观众直呼不过瘾。此次编创舞剧《醒·狮》，编剧精准选取三元里抗英作为切入点，将中国近代史上中国人民第一次大规模的反侵略武装斗争，以及中国人民不甘屈服和敢于斗争的英雄气概融入舞剧主题当中，充分将醒狮奋勇进取的精神与民族救亡图存的精神联系在一起，是对南粤人民革命精神的传承和弘扬。
舞剧《醒·狮》剧照。资料图片
在该剧构思策划的5年间，主创团队多次到三元里村、陈家祠、佛山祖庙等地深入采风，充分了解岭南历史文化和民间传统舞蹈的精髓。同时，该剧还邀请了广州工人醒狮协会会长、国家级非遗项目“广东醒狮”的省级代表性传承人赵伟斌担任醒狮指导，邀请南拳武术教练马小斌为演员进行系统训练，邀请佛山传统狮艺黎家狮的第五代传人黎婉珍扎作狮头道具，为舞剧的编创提供坚实的文化基础。
讲述岭南故事，书写中国精神，创新非遗文化，坚定文化自信。《醒·狮》以深厚的岭南文化为依托，以三元里抗英为背景，以民族觉醒为主旨，将优秀的文化基因激活重组，将浑厚的历史底色充实调亮，充分展示“醒狮醒国魂，击鼓震精神，中华当崛起，日月共乾坤”的民族精神，是值得期待的艺术精品。
（作者系中山大学非物质遗产中心博士）
如何以现代戏剧审美意识讲好广东故事？
——从粤剧现代戏《红头巾》说起
文丨陈艳冰
“红头巾”是特指20世纪20年代初期，南下新加坡工作的广东佛山三水籍华侨妇女群体。她们在当地从事建筑业等粗重工作，以头戴鲜红头巾识别身份。“红头巾”们各有各的际遇，她们为了改变自己和家庭的命运，漂洋过海到异国谋生，吃苦耐劳肩挑岁月的重担，以自尊、自强、团结互助的“红头巾精神”赢得了新加坡社会的称颂。这样的广东题材、广东故事，有现实基础、有具体形象、有历史沉淀、有时代启示，值得挖掘，应该书写；“红头巾”既是属于广东三水籍华侨妇女的特定历史符号，也是广东妇女乃至广东人先辈远涉重洋的历史经验之一；“红头巾精神”既体现了广东三水籍华侨妇女以柔弱的身躯对生活、家庭的承担，也蕴含着广东妇女、广东人的岁月印记、血汗承传。如此看来，粤剧现代戏《红头巾》的戏剧基础无疑是丰厚的，也是具有文化力量和审美力量的。
粤剧《红头巾》剧照。资料图片
把好题材做好，剧本是关键一环，尤其戏曲现代戏，肩负着戏曲现代化的任务，要有现代意识，更要符合现代审美样式与现代娱乐机制。由是，粤剧现代戏《红头巾》有了剧本的数度修改，一再推倒重来，最终选定了呈现人物命运的“大群戏”的艺术表达方式。古典戏曲编剧强调“一人一事”的写法，这种写法的好处是主线清楚、人物突出、情节集中；“群戏”写数人数事，容易精芜糅杂，头绪众多，结构散乱。粤剧《红头巾》紧紧抓住“红头巾”故事的独特性和唯一性，在多个人物命运中提炼出“红头巾”共同的人格之美——肯吃苦、耐得捱，人物的美好、人情的温度，使戏剧故事有了魂，粤剧《红头巾》就有了张力与魅力。从舞台呈现的效果看来，“群戏”既是对戏曲旧有编剧方法的创新，也是对红头巾故事的更佳诠释。谁说不是呢？一出好戏不仅是民族情感和记忆的载体，也是观众生活边界的延展，能够激发观众的想象、回忆和人生体验，更会让观众对人生有新的发现。
应该说，舞台上的粤剧《红头巾》集思想性、艺术性、观赏性于一体。该剧导演张曼君功力深厚、舞台调度能力强，使整场演出行云流水，戏剧故事完整，情节衔接流畅，对《红头巾》文本实现了“平地起高楼”式的超越，使之具有更高的接受度、更强的吸引力、更震撼的冲击力。广东粤剧院通过编排粤剧《红头巾》齐心聚力，展现出前所未有的精气神和整体风貌。主演曾小敏、岑海雁等人的表演较为细腻且富于层次感，对角色和人物的情绪把握较准确；演员们表演的肢体语言更为丰富了，对以歌舞演故事的戏曲特点有了更深刻的理解。“群戏”本来容易出现短板造成“木桶效应”，而《红头巾》的群演水平却相当高，每个演员都聚精会神地演好属于自己的角色，从中能明显感觉到广东粤剧院群演水平的提高。
粤剧《红头巾》剧照。资料图片
戏曲舞台除了演员这种“核心元素”之外，还需要舞美、服装、灯光等艺术手段的配合。戏曲来源于古代中国经济不发达的时期，一桌两椅的道具，简朴单调的布景，甚至虚拟的表演程式，都带着过去物质贫乏的时代烙印。当时舞台服装的大红大绿、复杂的头饰与面谱，既是弥补物质的简陋，也是与观众进行沟通的特殊文化语汇。在人类经历了农业文明、工业文明步入科技文明之际，戏曲的审美亟待变革，在这个意义上，粤剧《红头巾》为观众提供了一种新的艺术审美语汇，为粤剧创造了一种新的艺术形态。
粤剧《红头巾》的服装符合时代的特征和人物的身份，为了表现“红头巾”女性群体温柔、隐忍的性格特点，色调选择上偏冷，却让“红头巾”的行业符号更为突出，主角在人群中显得格外醒目；道具里的泥砖从传统戏曲的“虚拟”场景中划出了边界，却与青年观众的审美毫无违和感，反而加强了“红头巾”柔弱而刚强的印象。粤剧《红头巾》还融入了一连串的创新元素，如三个男招工者和三个女报童的“惊艳”现身，从全剧的整体叙述中跳了出来，为“大立”而“小破”，加强了全剧的现代性，争取了年轻观众。同样令人难忘的，还有“船底舱”等多场女性群体舞蹈，配合简洁、写意的舞美、灯光设计，营造了诗意的画面和抒情的氛围。可见，主创团队追求的不仅是粤剧唱腔、表演身段的创新，粤语的对白与唱词的和谐，同时还在灯光、舞蹈、服装等艺术呈现上精益求精，这是艺术表达的一种综合性创新，是粤剧艺术在大戏曲语境下的创造性转化和创新性发展。当然，戏剧的创造性转化、创新性发展，内涵是丰富多元的，其中就包含要引导、改造观众的艺术趣味——不断把新的艺术可能性，通过戏剧实践变成新时代戏剧的艺术常识。
粤剧《红头巾》剧照。资料图片
当下，戏剧乃至文艺生态正在发生巨变。新的业态、新的技术正在挑战固有的审美趣味和精神认同，戏剧的边界扩大了，同时也迫使我们重新思考戏剧与观众、与市场的关系。戏剧是综合艺术也是群体的艺术，新的观众群体追求共享、互动，本来就是戏剧天然的特质，把这一特质发挥好了，就能赢得人气。可贵的是，粤剧《红头巾》散发着独特的艺术光彩，在传承与创新的实践中，主创团队一直高度重视与新的观众群体展开互动、获得认同，增强了传统戏剧在当下的传播效应。
诚然，戏剧经验的传递和共享，必须要通过创作者和观众共同完成，但戏剧发展之路既非孤芳自赏、曲高和寡，也非刻意迎合、低俗逐利。优秀的戏剧作品必然是既“向俗而雅”，又“向雅而俗”，雅俗共赏的，也是富于创造性和具有独特魅力的，是能吸引人、感动人、鼓舞人的。期待粤剧《红头巾》不断通过修改完善，收获越来越多的观众，成为广东粤剧院留得住的代表作，更成为经得起反复重演的经典。
（作者系广东省繁荣粤剧基金会秘书长）
纸短情长寄侨批 赤子丹心传至今
——民族歌剧《侨批》艺术特点初探
文丨思齐
作为文化和旅游部“中国民族歌剧传承发展工程”及“历史题材创作工程”重点扶持剧目、珠海首部原创歌剧，《侨批》由中共珠海市委宣传部、珠海高新区管委会出品，珠海演艺集团制作，珠海歌舞团演出，集合了作曲家孟卫东，编剧王勇，导演廖向红、邓一江，指挥朱曼、樊洁，歌唱家吕薇、李扬等众多艺术家，自今年7月内部试演以来，引起了社会各界广泛关注。这部歌剧新作呈现出的一些艺术特点，具有较强的研究价值和参考意义。总结起来可被归纳为这三点——
民族歌剧《侨批》剧照。资料图片
首先，是剧本结构对于展现主旨立意的强化作用。同为血脉相连的炎黄子孙，海外华人华侨始终与祖国同心同德，在中国革命、建设、改革开放各个时期作出了不可磨灭的突出贡献，更是新时代新征程建设社会主义伟大强国的重要力量。用艺术的方式生动展现华侨历史及其丰富的精神内涵，是文艺工作者应当肩负的责任。在反复打磨的过程中，珠海演艺集团艺术总监邹建红找到了华侨精神的一个具体载体——“侨批”。
“侨批”是侨胞通过海内外民间机构汇寄至国内的汇款暨家书，是一种信、汇合一的特殊邮传载体，也是连接海外儿女与祖国亲人的历史见证。“侨批”记载了老一辈海外侨胞艰难的创业史和浓厚的家国情怀，也是中华民族讲信誉、守承诺的重要体现。
要在有限的舞台时间里，用歌剧讲述这段故事，需要剧作家找到一个贴切恰当、高度有效的结构方式，确保叙事清晰顺畅，充分展现“侨批”所承载的丰富精神内涵。因此，歌剧从大处着眼、小处落笔，从一个普通华工的家事讲起，剧本上采取了一种独特的“双轴结构”。
全剧分为序、两幕六场，可以分为李家和侨批局两条轴线，两者基本同步、间或交叉，最终汇合。李家轴线以华工李诚如、妻子李董氏、女儿彩云及彩云奶奶为人物组，通过一家人的生离死别，联合华工群像；侨批局轴线则以唐有信夫妇、苏义天、四个水客为人物组，着重展现信大于天、义重于金的诚信精神，同时联合舞台群像展现中华儿女同心同德、互帮互助的民族大爱。“双轴结构”犹如双足，支撑起剧本骨架。同步铺陈主题要义的同时，又在故事线索、人物关系中彼此关联，形成交融关系。
民族歌剧《侨批》剧照。资料图片
其次，是音乐逻辑对于确立歌剧风格所起到的关键作用。《侨批》的音乐逻辑主要体现在调性色彩管理、旋律素材强化和民族风格把握三个方面。例如，剧中李诚如一家的悲惨命运贯穿全剧始终，音乐的初始基调，如“望乡”主题，是沧桑、忧郁的，旋律整体走向以下行的小调为主。而侨批局相关人物身上则更多呈现明亮的大调色彩，犹如一片幽蓝中的点点明黄，在对比中象征着希望的力量。比较典型的是送侨批的水客四人合唱，音乐调性布局的逻辑跟随着故事情节走向、人物性格特点而作出丰富的变化，与剧本“双轴结构”的原则互为呼应。随着两条轴线最终汇合，音乐逻辑呈现出从小调逐渐进入大调的脉络特征。
统一的音乐风格离不开对同类音乐素材的萃取提炼与灵活运用。贯穿全剧的核心音乐素材以《送批》《望乡》和李董氏的音乐形象为主。同时，随着戏剧情节的发展，音乐情绪也在逐渐转变，从哀怨化为控诉与抗争。
此外，《侨批》作为一部带有史诗特征的民族歌剧，除了民间曲调的运用外，二胡、高胡，琵琶、三弦，竹笛、箫、埙，梆子、木鱼……这些具有鲜明民族音色特征的乐器在歌剧的进程中时刻穿插，为歌剧音乐营造出浓郁的民族风格。
与此同时，作曲家在汉语宣叙调运用中体现出的美学追求、在重唱安排中体现出的错位式清晰表达、在交响乐队“音墙式”配器上保持的警惕避让，也都显示出一位成熟歌剧作曲家对于民族风格的理解。
民族歌剧《侨批》剧照。资料图片
第三，是导演创作对于实现舞台气象的指挥作用。歌剧导演在转化创造的过程中，由于需要比其他艺术门类协调更为庞杂的工种合作，因此更具挑战性。《侨批》的导演创造力至少体现在三个方面：一是诗意凝练核心要素。作为全剧的关键词与重要信物，“侨批”始终贯穿舞台多个场景之中，尤其是唐有信的核心咏叹调《一诺千金的承当》，无数封侨批漫天而下，充满了舞台，令人仿佛看到微薄的捐助来自四面八方，终究汇聚起磅礴的力量，强烈的视觉冲击给人带来心灵的激荡。除此之外，“大海”则连着游子与家乡，风雨飘摇中的何止是轮船，更是多灾的民族、多难的同乡，托起朝阳，波光粼粼里闪动的是安详慈爱，更藏着牵盼绵长。
这些画面通过导演敏锐地抓取、提炼出极具代表性的艺术形象，打磨出精华，呈现于舞台。
二是顺滑转化多重场景。在象征性空间内，导演设计出了丰富的视觉构图。如展现李董氏梦幻三口团圆、彩云沉船遇难、李董氏控诉大海无情这一系列戏剧场面，导演将舞台只保留一个坡面，李董氏茕茕孑立，李诚如、彩云闪现于远景区；继而，舞台由上至下、由远至近形成水平的三重空间，上层恶浪滔天，中层挣扎着彩云和同船华工，前区是瘫软倒地的李董氏。彩云的咏叹湮没于浪花的击撞，斜坡合拢，象征彩云被巨浪吞噬；海浪声伴着潮水渐渐退去，舞台死寂，母亲的悲吟气若游丝，四起四落，终于爆发出不屈的怒吼，这一系列如行云流水般转换的舞台设计，营造出强烈的戏剧推动力。
三是细腻指导舞台行动。如果说上述两方面体现的是导演对“物”的掌控，那么对“人”的诱导则更是导演综合实力的展现。女高音歌唱家吕薇与导演有过多次成功合作，以扎实的演唱功底和出众的表演实力成功塑造了李董氏这一具有复杂性格特点的歌剧人物形象。其他主要演员与群众演员基本上都是珠海演艺集团演员，不但完成了每个角色的特定舞台任务，而且全体演员呈现出“一棵菜”的精神风貌，这必定离不开导演的辛勤耕耘与浇灌。
作为一部初上舞台的歌剧新作，《侨批》已经呈现出了较高水准的艺术品相，为引人注目的文艺界“珠海现象”添上了浓墨重彩的一笔。相信这部立意高远的新作会继续积极汲取来自各方的反馈滋养，精进提升，为中国歌剧艺术事业增光添彩。
（作者系中国艺术研究院文艺学博士）
策划：李培
整理：南方+记者 郭珊融丰配资
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